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音楽理論#4~スケール・調2~

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さて、前回より引き続きスケールの理論を見ていきましょう。

前回はマイナースケールについて学習していました。マイナースケールにはいくつかの種類があり、前回紹介したナチュラルマイナースケールに加えて、あと2つのマイナースケールを紹介していきたいと思います。

2つ目のマイナースケールは、ハーモニックマイナースケールです。
ハーモニックマイナースケールは、ある基準となる音から順に
全・半・全・全・半・全+半・半
と上がっていくことで作られます。
A(ラ)の音から始まるハーモニックマイナースケールは、
ラ→全音上→シ→半音上→ド→全音上→レ→全音上→ミ→半音上→ファ→全音+半音上→ソ#→半音上→ラ
ラシドレミファ ソ# ラ
です。

楽譜を見てもらえるとわかりますが、ナチュラルマイナースケール以外のマイナースケールでは、調号であらかじめスケールを示しておくのではなく、スケール上の特定の音に臨時記号をつけることでスケールを表します。
ナチュラルマイナースケールと比べると、第7音(AナチュラルマイナースケールにおいてG、ソの音)が半音 上がっていることに気が付くと思います。このスケールは、音楽を美しく終わらせるためにナチュラルマイナースケールを改良したスケールなのです。

なぜ第7音を半音上げるのか

なぜ音楽を美しく終わらせるために、第7音を半音上げなければいけなかったのでしょうか。
それには、「導音」という考え方が関係しています。
導音とは、あるスケールにおいて、「第7音」であり、「基準となる音の半音下」にある音のことです。
この音には、「次に基準となる音に進むことで、音楽の終わりを演出する」という効果があります。
なので、美しく音楽を終わらせるためには、導音がスケール内にあったほうが嬉しいのです。
ところが、ナチュラルマイナースケールを見てみると、「第7音」が「基準となる音の全音下」にあることが分かると思います。

これでは、導音を使って美しく音楽を終わらせることができません。
そこで、ある人がシンプルにこう考えました。
「導音が無いなら作ればいいじゃないか」と。
(この小話は解説用であり、実際の歴史とは関係ありません。)
というわけで、ナチュラルマイナースケールの「第7音」を半音上げてしまって、「導音」にしてしまったのです。
これで、マイナースケールの曲も美しく終わらせることができるようになったわけです。

さて、最後に紹介するマイナースケールは、「メロディックマイナースケール」です。
メロディックマイナースケールは、基準となる音から、
全・半・全・全・全・全・半
と上がっていくことで作られます。


A(ラ)の音から始まるメロディックマイナースケールは、
ラ→全音上→シ→半音上→ド→全音上→レ→全音上→ミ→全音上→ファ#→全音上→ソ#→半音上→ラ
ラシドレミ ファ# ソ# ラ
です。
こちらは、先ほどのハーモニックマイナースケールの第6音を半音上げたものです。
そして、こちらもナチュラルマイナースケールと同じ調号と臨時記号でスケールを表します。
ハーモニックマイナースケールは、確かに音楽を綺麗に終わらせることができます。しかし、ハーモニック
マイナースケールの音を使ってメロディを作ってみると、第6音と第7音の間を行き来するときに、強い違和感が
あります。これは、ハーモニックマイナースケールの第6音と第7音の間が半音+全音と広すぎることが原因です。
半音の違いは、音楽では致命的な大違いなのです。
そこで、この2音の間を違和感なく移動するために、第6音も半音上げてしまいました。
こうして、このメロディックマイナースケールが完成したわけです。

ハーモニックマイナースケールの問題点

しかし、このスケールにも問題があります。以下は、AメジャースケールとAメロディック
マイナースケールを表す楽譜です。


1音しか音が違っていないのがお判りでしょうか。
そう、メロディックマイナースケールは、マイナースケールとしてはあまりにもメジャースケールに近く、
悲しい響きを出しづらいのです。これでは、悲しさを出すためにマイナースケールを使う意味がありません。
そこで、クラシックなどでマイナースケールの響きを強調するときは、次のようにします。
メロディが上昇する→メロディックマイナースケール
メロディが下降する→ナチュラルマイナースケール

なぜハーモニック・メロディックマイナースケールが生まれたのかわかっていれば、なぜこうなるのか理解
できると思います。つまり、そもそも上昇して綺麗に終わらせるために作ったスケールなのだから、下降する
時にも使う必要はない。ということです。
これによって、美しく終わりつつ悲しさを出すスケールを作ることができました。

いかがでしたか。難しい話が多くて疲れたかもしれませんし、そうでもなかったかもしれません。
重要なのは、音の配置などを暗記することではなく、「ある表現したいもの」を音楽で表現するときに、何を使えば
いいのか思い出せることです。それには、もしあなたがある程度響きを感じることができる自信があるなら(明るいか
暗いか程度でも)、ぜひいろいろなスケールを使った曲を聞いたり、スケールの音を鳴らしたりして、その響きと
知識を結び付けてみてください。きっと、あなたが作曲をするときに役に立つと思います。

次回は、「和音・コード」です。


音楽理論#3 ~スケール・調1~

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今回はより実用的な音楽理論の概念、「スケール」について説明したいと思います。

「調」と「スケール」については、同じものと考えてもらっていいです。


スケールとは何か

「スケール」は、ある音楽を構成する音の集まりです。
これでは少し抽象的すぎるので、具体例をあげましょう。
以下は「カエルのうた」の楽譜です。

これを見てもらえればわかるように、この「カエルのうた」は、「ドレミファソラシ」の音によって作られています。
このような音楽を「Cメジャースケールの曲」(日本語では「ハ長調の曲」)と呼びます。そして、この「ドレミファソラシ」の7音の集まりことを「Cメジャースケール」(ハ長調)と呼ぶのです。

他には、「ファソラ シb ドレミ」の7音の集まりは「Fメジャースケール」、「ラシドレミファ ソ#」の7音のあつまりは「Aハーモニックマイナースケール」と呼んだりします。

なんでスケールが必要なのか

基本的なスケールについては、その形が決まっています。そして、そのスケールに入っている音を中心にして音楽を組み合わせることで、自然な曲を作ることができるのです。
どういうことかというと、例えば「何メジャースケール」と呼ばれるスケールは、その基本となる音から順番に「全音・全音・半音・全音・全音・全音・半音」という配置になっています(詳しくは次項)。
「スケール」が生まれてそれに合わせて曲がつくられたというよりは、昔の人がいろんな曲を聞いて見つけた音の集まり方の法則を「スケール」と名付けた、と考えればわかりやすいのではないでしょうか。

さらに余談ですが、これは様々な他の「音楽理論」についても当てはまることでしょう。

スケールの分類・作り方

スケールには、基本的な2つのタイプがあります。

  • メジャースケール 明るい響き
  • マイナースケール 悲しい響き

この2つのスケールの作り方を見ていきましょう。

メジャースケールの構成

日本語では「長調」といいます。
メジャースケールは、明るい響きをもたらすスケールです。明るさや楽しさ、やさしさや前向きな気持ちを表現しやすくなります。Jpopの有名な曲やJロックなどはだいたいメジャースケールです。マーチやファンファーレなどもメジャースケールで作られることが多いでしょう。ただ、普通に作ると駄々明るくなりやすいという難点もあり、受けを狙うならメロディや楽器選び(音色)などに工夫があったほうがいいでしょう。
メジャースケールは、ある基準となる音から順に
全・全・半・全・全・全・半
と上がっていくことで作られます。
楽譜で見ると少しわかりづらいのですが、DTMで使用されるピアノロールを見てもらえれば直感的に理解できるのではないでしょうか。

たとえば、C(ドの音)から始まるメジャースケール「Cメジャースケール」は、
ド→全音上→レ→全音上→ミ→半音上→ファ→全音上→ソ→全音上→ラ→全音上→シ→半音上→ド
というふうにたどっていって、
ドレミファソラシド
となります。この7音を主に使い、さらに「ド」を大切な音として扱うことで「Cメジャースケール」の曲を作ることができるんですね(大切に使う、のやり方は次回)。楽譜ではこのような感じになります。

同じようにして、D(レの音)から始まるメジャースケール「Dメジャースケール」は、
レ→全音上→ミ→全音上→ファ#→半音上→ソ→全音上→ラ→全音上→シ→全音上→ド#→半音上→レ
レミ ファ# ソラシ ド# レ
となります。この7音を中心に使い、さらに「レ」を大切な音として扱うことで「Dメジャースケール」の曲を作ることができるんですね。楽譜ではこのような感じになります。

この楽譜のように、ト音記号、ヘ音記号のとなりに臨時記号#、bがついている場合、それはその曲のスケールを表しているんです。

マイナースケールの構成

日本語で言うと「短調」です。
マイナースケールは暗い響きや悲しい響き、恐怖をもたらしたり、あるいは美しさや静かさを感じさせたリ、逆に暴力的な激しさを感じさせることもあります。狙い通りに扱うのは難しいのですが、とりあえず作ってしまえば名曲っぽくなってしまう楽さもあります。クラシックの有名な曲やゲームミュージックなどに使われていることが多いです。
マイナースケールには、使い方によっていくつか種類があります。でも1つ1つまったく別なのではなく、目的があってちょっとづつ変えられているのです。基本になるものから1つづつ見ていきましょう。

1つ目は、ナチュラルマイナースケールです。
ナチュラル(自然な)の名の通り、聞いているとシンプルな悲しさを感じるスケールだと思います。ただ、ほかのマイナースケールと比べると明るさも感じます。
ナチュラルマイナースケールは、ある基準となる音から順に
全・半・全・全・半・全・全
と上がっていくことで作られます。

たとえば、A(ラ)の音から始まるナチュラルマイナースケールは、
ラ→全音上→シ→半音上→ド→全音上→レ→全音上→ミ→半音上→ファ→全音上→ソ→全音上→ラ
ラシドレミファソラ
となります。

ここで気づいた人も多いかと思いますが、Aナチュラルマイナースケールは、Cメジャースケールと構成する音が全く同じになってしまっています。差は「どの音を中心に使うのか」しかありません。これと同じように、すべてのナチュラルマイナースケールには構成する音が同じメジャースケールがあります。これが、ナチュラルマイナースケールがマイナースケールの中でも明るめの響きを持つ原因だと思います。


ちょっと長くなってしまったので、残りはまた次回。

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音楽理論#2 ~五線譜と音高、音名~

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前回は「音符」と「休符」について、特に音価の表現を中心に説明しました。

今回は「音符」や「休符」を記す「5線譜」と
音の高さを表す「音高」について説明していきたいと思います。


5線譜は文字通り5本の線が横に引かれたもので、これも音を表すのに欠かせないものです。
縦方向は音高を表し、上にあるほど高い音を表します。
横方向は時間を表し、左から右に演奏されます。

線は下から順に第1線…第5線、線と線の間についても同様に第1間…第4間と呼ばれ、
この「線」や「間」に音を配置する事で音高が表されます。
5線の範囲では表し切れない高さに音符を配置する場合、
同間隔な線を上もしくは下に引き(加線)、
その線をそれぞれ上第1線…、下第1線…、
新たに出来た間を上第1間…、下第1間…として音符を配置します。

単一の声部しかない場合、
大体第3線から上に音符を配置する場合には音符の符幹や符尾は下向きに記します。
複数の声部が存在する場合、
高音の声部は上向き、低音の声部は下向きに記します。




これで何となく上下で高さが異なるという事は理解したかと思います。
しかし、これだけでは2つの音の高さの違いは分かっても、
具体的に各音がどんな音であるのかが分かりません。

そこで、「音名」を使って絶対的な音高を表します。
音名はイタリア語や英語、ドイツ語などに加えて、
日本では日本語の音名も使われています。

イタリア語 英語 日本語 ドイツ語 実際の音(C4~B4)
Do(ド) C C(ツェー)
Re(レ) D D(デー)
Mi(ミ) E E(エー)
Fa(ファ) F F
Sol(ソ) G G(ゲー)
La(ラ) A A(アー)
Si(シ) B H(ハー)



基本的にこの7音を元に音を表すので、幹音を辿った場合、
8つ目で音高が異なる同音名の幹音になります(オクターヴ)。

この高低の差は「科学的ピッチ表記法」においては数字で低い順に表され、
例えば88鍵のピアノで4番目のCをC4と表し、日本語では「中央ハ」と呼びます。
このオクターヴに属するA4の周波数は現代では440Hzと決められており、
調律の際の基準となる音になります。

5線譜上にこれらの音を表すにあたって、
記すべき位置を決定する音楽記号が3つ存在します

・ト音記号
 見た事がある人も多いかと思います。
 「ト」音を表す「G」を図案化した記号で、高音域を表します。
 この場合(ヴァイオリン記号)は渦の中心を横切る第2線がG4である事を示しています。
 
 (左から、C4 D4 E4 F4 G4 A4 B4 C5)

・へ音記号
 これも見た事のある人が多いかと思います。
 「ヘ」音を表す「F」を図案化した記号で、低音域を表します。
 この場合(バス記号)は右側の2点の間に位置する第4線がF3である事を示しています。
 
 (左から、C3 D3 E3 F3 G3 A3 B3 C4)

・ハ音記号
 小中の音楽ではまず見られない記号です。
 「ハ」音を表す「C」を図案化した記号で、中音域を表します。
 この場合(アルト記号)は中央の窪みを横切る第3線がC4である事を示しています。
 
 (左から、C4 D4 E4 F4 G4 A4 B4 C5)

また、以下の様に記す事で
実際は数オクターブ上の音高を表したり、数オクターブ下の音高を表す事も出来ます。
・オッターヴァ アルタ
  = 
 (記譜上:C4 実音:C5)

・オッターヴァ バッサ
  = 
 (記譜上:C5 実音:C4)

・クィンディチェジマ アルタ
  = 
 (記譜上:C4 実音:C6)

・クィンディチェジマ バッサ
  = 
 (記譜上:C6 実音:C4)



今回は音高、特に幹音の表現について説明しました。
次回はここから少し発展させて、調と階名について説明していきたいと思います。

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音楽理論#1 ~音符と休符~

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前回は「楽典」について大まかに説明しました。

今回は音を表すのに必要不可欠な「音符」と「休符」について説明していきたいと思います。


音符は主に音の長さ(音価)を表し、五線譜と組み合わせる事で
演奏されるべき音の高さやタイミングを知る事が出来ます。
音の高さ(音高)を示す「たま(符頭)」、音価を表す「ぼう(符幹)」、「はた(符尾)」で構成されますが、
符幹や符尾に関しては、表す音価によって付加されない場合もあります。
休符は音を出さない長さを表すもので、音符とは対極にある存在です。

これらには基準となる長さがあり、それを全音符、全休符と呼びます。
音符や休符にはこれを基準にして相対的に長さを表しています。
基本的に全音符より長くする場合は2倍、短くする場合は1/2倍の間隔で変化します。

また、音符や休符の隣に点を付ける事(付点)によって元の長さの1.5倍、
更に点を付ける事(複付点)によって元の長さの1.75倍の長さを表す事も出来ます。
 =  + 
 =  +  + 

名称 音符 休符 音価 (付点あり) (複付点あり)
Maxima 8 12 14
Longa 4 6 7
倍全音符/休符 2 3 7/2
全音符/休符 1 3/2 7/4
2分音符/休符 1/2 3/4 7/8
4分音符/休符 1/4 3/8 7/16
8分音符/休符 1/8 3/16 7/32
16分音符/休符 1/16 3/32 7/64
32分音符/休符 1/32 3/64 7/128
64分音符/休符 1/64 3/128 7/256
128分音符/休符 1/128 3/256 7/512
256分音符/休符 1/256 3/512 7/1024



これは音符に限りますが、同じ音高の音符を以下のように繋げる事(タイ)で、2つ以上の音価を足し合わせる事が出来ます。
 =  + 



ある音を等分したい時は「連符」で音を表します。
何等分であるかを上部に示し、その数だけ音符を並べます。

n分音符をm等分したm連符において並べられるべき音符をx分音符(m,xは自然数)とすると、
 1)xはm以下で
 2)かつ最大の2の累乗である数にnを掛けた数
でなければいけません。

付点n分音符をm等分する場合(m≧3,n,xは自然数)、
 1)xはm以下で
 2)かつ最大の2の累乗の3倍にnを掛けた数

複付点n分音符をm等分する場合(m≧7,n,xは自然数)、
 1)xはm以下で、
 2)かつ最大の2の累乗の7倍にnを掛けた数
となります。



例をいくつか挙げてみましょう。

・倍全音符(n=0.5)を3等分するときに並べられるべき音符は2×0.5=1で全音符
 → 
・4分音符を5等分するときに並べられるべき音符は4×4=16で16分音符
 → 
・付点2分音符(n=4/3)を4等分する時に並べられるべき音符は3×4/3=4で4分音符
 → 
・複付点4分音符(n=16/7)を7等分する時に並べられるべき音符は7×16/7=16で16分音符
 → 



直接的に音価を表す方法はこれで全部になります。
DTMにおいては打ち込みの時にこの音価を意識しながら打ち込む事になります。
この他、実際の表記とは異なる音価で演奏される様な音楽記号もありますが、今回は割愛します。


今回は音符と休符について、音価を中心に説明しました。
次回は音符が表すパラメータの1つである音高について説明していきたいと思います。

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音楽理論#0 ~楽典について~

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既存のDTM講座では主にDTMをするためのツールについて説明してきました。

しかし、DTMでスムーズに作曲するためには、
いくつか予備知識として知っておかなければならないことがあります。

ここでは知っておいたほうが良い予備知識の一つである、
「楽典」について説明していきます。


もしかすると1度見聞きしたことがあるかもしれません。
・・・中学校の音楽などで「楽典」と呼ばれる教材を使った事がある人も多いかと思います。
「楽典」というのは音楽理論の中の基礎的な部分を取り出したものです。
英語では「musical grammar」、言葉通り「音楽の文法」なわけです。

つまりは英語も文法が分からなければ理解が出来ない様に、
音楽も「文法」が分からなければ
到底「自分で作文を書く」ことは出来ないということなのです。

「楽典」は主に、音を楽譜に記す術を示した「記譜法」、
「記譜法」を理解するための更なる予備知識としての基礎概念が載っています。

次回からは「楽典」の基礎概念について、順を追って説明していきたいと思います。

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